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在20场男装秀里一探当代男性时尚与男性气质之间的共繁荣

正文:

无论是创意力量,还是品牌数量,更不用提及商业规模,男性时尚始终比不过女性时尚,但这并不意味着男装行业是枯燥乏味的。

如果我们对19世纪之前的男性服饰,东西方社会中的服饰文化,以及20世纪中期之后崛起的青年亚文化做一个粗略的研究,会发现男性对服装,或是对追求时尚这件事本身的兴趣绝不低于女性。在被允许打扮和装扮自己的外表时,男人们往往会享受这一机会,就这一点,我们可以在不同时代背景的影视剧集里一窥究竟。

但是,当代男装真正变得丰富且多元是始于1960年代。在此之前,整个男装市场依旧处于以西装和工装这些制服为主流服饰的传统男装格局内,它们构建并维系着20世纪初以英格兰为中心的世界中的男子气概。这也是为何在许多流行的讨论中,男性气质仍然为被视为一个统一的、连贯的、相对不变的“身份”。如果服装样式真的具有明显的永恒性,那么它的作用是在肯定“男性身份不变”的固执观念。特别是西装,它至今还是象征着一种明确的维多利亚式的价值观:一种自信的、不屈不挠的、贵族式的男性气质。于此同时,很多保守派人士会认为“经典男装不是从设计师的画板上诞生的,也不是从服装设计师的季节性奇想中的诞生的,而是靠的是实干的男人们(一种群像),无论是士兵,还是运动员,有钱人,或是工人。经典男装与设计师的名字无关。”

“摩斯族”“孔雀革命”“华丽摇滚”“垃圾朋克”,这些男装风格浪潮持续到千禧年之交时,男装领域整体的画风终于发生了显著的变化,2000年前后的几年时间里,Helmut Lang、Raf Simons、Hedi Slimane等先锋设计师继承并分享了之前的男装革新美学遗产。在他们的影响下,伴随着男装市场的转变,男性气质也朝着更为开放的标准转变。特别是Hedi Slimane推出了具有创造性的,且高度成功的Dior Homme时,不仅让迪奥获取了巨大的利润,也让其他奢侈品公司意识到男装的经济潜力。也是从这个时候开始,男装在廓形、制作和造型等方面都发生了非常迅速的变化。与此同时,男装品牌、男装周和新的男装设计师也在不断涌现。

2000年前后的几年时间里,Helmut Lang、Raf Simons、Hedi Slimane等先锋设计师继承并分享了之前的男装革新美学遗产。在他们的影响下,伴随着男装市场的转变,男性气质也朝着更为开放的标准转变。

男性时尚的文艺复兴为今天充满活力的场面铺平了道路,就像Jonathan Anderson、Grace Wales Bonner、Eli Russell Linnetz这样创新的,屡获殊荣的设计师是从男装领域中,而不是从女装领域中脱颖而出的。这种现象在21世纪之前几乎是不可想象的,当时只有女装设计师才有可能获得最重要的时尚奖项。

这份清单的时间跨度之所以是围绕在过去的40年间,是因为在1980年代之前,男装周尚未形成规模,为男装系列办秀的品牌更是寥寥无几。这20场秀在当时他们各自所处的年代里,一方面左右了当时的审美,更重要的是,他们对往后的男装风格和款式的发展走向起到了绝对的影响。同时我们要强调一下,伟大的男装秀和伟大的男装设计师还是有本质上的区别的,这也是为何这份清单里没有Brioni、Cerruti、Giorgio Armani这样的男装领域的大咖(或品牌)。

当无数次被问及“男人是否能穿裙子”这个尖锐的问题时,Jean Paul Gaultier的回应简单而粗暴——他亲自套上了格子短裙。如果这个答案还不够的话,不妨把视线拉回Jean Paul Gaultier 1985春夏秀场,在这个堪称“性别模糊”时尚的开天辟地之作中,Gaultier让拥有传统肌肉美的男模穿上了优雅飘逸的开衩长裙,全然粉碎了人们固有认知中服装附带的性别枷锁,比他1983年的那件饱受争议的露脐海军衫更进一步。更为重要的是,Gaultier的男性裙装并非当下司空见惯的政治正确宣言,他只是纯粹地向世人展示了男人性感的另一面,让裙子时隔数百年再度回到男人的衣橱。

山本耀司带着在巴黎男装周期间发布的同样款式,和他的老相识川久保玲,首次在日本本土联合呈现了他们的男装系列。

秀场的核心主题是战争,或者更确切地说,是反战。传奇音乐家——地下丝绒乐队的灵魂人物之一John Cale自愿成为了这场秀的模特,并在秀的尾声亲自登台献唱反战歌曲。除此之外还有数不胜数的明星嘉宾充任模特,比如曾参演《逍遥骑士》《蓝丝绒》的知名影星Dennis Hopper。召集如此大阵仗的关键驱动力不仅来自两位革命性时装大师的号召力,更来自硝烟刚刚褪去的海湾战争。于是我们看到了这些印着性感女郎的皮衣,它们现在已经成为了Archive市场价值数万的头号宠儿,但其实这一设计的灵感来自于美国空军大兵热衷于喷涂在战斗机机身的色情涂鸦,同样成为经典的还有常被误认为是Dries Van Noten “首创”的贯穿全身的长拉链。

以现在的眼光来审视,Comme Des Garςons Homme Plus同时展出的系列相比Yohji要“平淡”很多,不过这也是建立在川久保玲几十年如一日地向我们输出“反时尚”的宽松廓形,直到我们都习以为常。我们不应把它们现在的普及视作理所应当,反而要带着一分敬意,常常回头望去。

如果说Jean Paul Gaultier对男性美的挖掘过于前卫,导致他的部分作品只能成为被博物馆束之高阁的示范教材,或是明星演唱会的专用道具,那么Tom Ford的出现则彻底让男人的风骚一面成为了大众可接受的日常。

正如Instagram上的账号“tomfordforgucci”所描述的那样,“若无当初Tom Ford,何来今日Gucci。”(If it wasn't by Tom Ford,is it even Gucci?),Tom Ford引流的Gucci时代有多么迷人。事到如今,我们早已对身着高调颜色的修身西服、踩着油亮的皮质乐福鞋,还不忘配上能露出脚踝的船袜的男性形象习以为常,甚至会觉得有些许俗套,但这番场景放在Tom Ford执掌的Gucci 1995秋冬男装秀之前都是难以想象的,那些在T台射灯下尽显珠光宝气的天鹅绒西装不光重新定义了男性着装的色彩,也让Gucci这个垂垂老矣的奢侈世家在当年的收入直接翻倍,重获新生。

在一份讨论当代男装的榜单里,若有一位设计师能出现两次,那他一定是Raf Simons。

红衬衫黑领带的油头模特领衔入场,这番景象不禁让所有旁观者不能自已地从心底唤醒三个振聋发聩的字眼:电子乐。这不仅仅是对Kraftwerk的《The Man-machine》专辑封面经典造型的神还原,更是对所有热爱Techno的年轻人的精准打击(不妨想象20年后某位设计师在自己的秀场上祭出印着“DONDA”字样的防弹背心)。

不过这只是开胃前菜,接下来穿着“蜘蛛网”状针织衫的模特又会立即让你想到另三个字:朋克乐,它几乎和当年西太后在Seditionaries设计的马海毛毛衣如出一辙,更是Johnny Rotten和他的性手枪乐队为朋克青年们种下的一株拔不掉的草。这样的致敬方式要比1998春夏系列中粗糙的性手枪印花更直接,也更深刻。秀场的剩余部分则被Raf早期最为经典的“Black Outfits”填满,由拉链轻微点缀的修身黑外套、黑裤子,至今仍是年轻男孩穿搭之路的必经站。

Helmut Lang的影响力体现在时装界的方方面面,经典系列不胜枚举,但倘若单论男装,Lang最大的贡献毋庸置疑是他对实用主义着装的时装化改造,为一众原本绝缘于时尚的刚需品赋予了画龙点睛之笔。

1998秋冬系列可谓Lang式实用美学的集大成者,N3-B、防弹背心、Anorak、带有保暖内胆的军事派克大衣悉数出现在秀场上,Lang的简约美学和考究剪裁完美地弥补了实用着装与时装之间的缝隙,为后来男装设计师的“经典挪用”奠定了完美范式。更不应该忽略的是这次发布会是时装史上的首次网络直播秀,Helmut Lang对于互联网的超前思维让这场秀具备了远超过服装本身的意义。

人们常说Hedi Slimane一直在重复他自己,但对于开宗立派的大师而言,我们又何德何能让其轻易脱离自己奠定的美学框架呢?难道要让毕加索放弃立体主义去画风景画吗?更何况Hedi的剪裁也并非一成不变,无论是1990年代末在Yves Saint Laurent做男装创意总监时期,还是Dior Homme的头几个季度,Hedi的版型只能称得上非常修身的男装剪裁。

Dior Homme 2002秋冬系列则是一道分水岭,如同暖场乐队刚刚退场,真正的摇滚明星即将亮相前的短暂间歇,预示着今晚演出的高潮即将到来,从此男装将走向瘦削的极端,并在未来很长的一段时间里一去不复返。

如果说1998秋冬系列为Raf本人乃至整个青年文化时尚开启了完美的上半场,那么2005春夏系列则为其奠定了职业生涯的下半场。

青年文化领军人Raf Simons的故事已经被重复谈论过太多遍,将朋克、后朋克、独立文化符号融入到时装之中是他被大众熟知的一面,然而使这位“街头潮流教父”更上一层楼的无疑是2005春夏系列,在此季度和紧随其后的秋冬系列里,Raf摒弃了一切先锋且叛逆的口号,将全部注意力重新放在廓形上,克制的颜色使用更放大了他精准到位的轮廓设计。优雅而慵懒的双腰西裤、利落大气的短夹克、修身得体的无袖长衫,Raf使追随者们重新意识到剪裁——这一传统男装基石的必要性,将混乱无序的街头男装发展重新拉回正轨,更为自己的职业生涯奠定了全新的高度,为其之后入驻顶级时装屋埋下了伏笔。

宫下贵裕是一个狂热者,他狂热于美式文化,狂热于摇滚乐,狂热于时装,这份狂热使他常能构想出科班设计师不屑于做,也做不出来的单品。Number (N)ine 2005秋冬系列就是宫下对摇滚乐的一腔热忱的终极体现。从那些精致的印第安风情流苏和羽毛装饰上,我们看到了在1960年代呼唤爱与和平的嬉皮士们的影子,而别在腰间的法兰绒格子衬衫和宽带头巾又能让人瞬间联想到1990S呼风唤雨的Axl Rose,更不用说站在豹纹背后的1990年代初期垃圾摇滚的灵魂人物、Number (N)ine惯例的致敬对象Kurt Cobain了。横跨30年时空的摇滚巨星们在此刻被召集在一起,其目的不是举行一场盛大的摇滚演唱会,而是一场时装的盛宴。这样的“大杂烩”也在服装设计上有所体现,丹宁、皮衣、卫衣、西装、工装被宫下以想象不到的方式随意拼接在一起,就如开头所说,这是只有真正的狂热者才能挥洒自如的手笔。Amiri和R13们在谢过Hedi Slimane之余,也别忘了对Number (N)ine点头致意。

大部分日本男装品牌的可悲之处就在于:它们的主理人似乎只会将半个世纪之前的美式着装在一番花里胡哨的文化包装之后,原封不动地搬到自己的品牌产品型录中,让人误以为在逛美国中部某州退役老兵们的跳蚤市场。跟这些人相比,渡边淳弥似乎完全处于另一个高不可攀的维度。在Junya Watanabe 2006秋冬秀场上,光是梳着Travis Bickle(《出租车司机》男主)式莫西干头的模特就足够让美国流行文化的拥趸情不自禁,更让人拍案叫绝的是服装本身,渡边淳弥通过解构重组的方式,让大量美式古着焕发出全新的生命,他的招牌拼贴手法更是发挥了无可估量的作用。如果说Helmut Lang教我们仔细审视过去,并使过去成为书写当下的灵感,渡边淳弥则向我们展示了另一种可能性:将过去直接改造成当下。

毋庸置疑,Thom Browne重新定义了男性制服美学。在我们对他那招牌式的露踝八分西裤、袖口不及手腕的灰西装和紧身羊绒开衫司空见惯之前,Thom Browne的激进版型曾一度被视为对传统绅装的亵渎。然而正如Thom Browne接受采访时那句精妙绝伦的答案一样, \"I don't know what the future of men's fashion will be like. I just hope that everyone does their own thing… Because that is what I'm going to do\" ,服装设计师存在的唯一意义就是书写独属于自己的美。Thom Browne的欧洲首秀——于Pitti Uomo期间展示的2009秋冬系列就让外界彻底地接纳了他的“缩水式”版型,40位穿着经典Thom Browne套装的模特在颇具20世纪中叶色彩的办公场景中演示着同样的动作(灵感来自美剧《广告狂人》),现场呈现出的令人毛骨悚然的机械化和统一性则进一步让Thom Browne的制服魅力深深地烙印在新世纪的男装熔炉之中,这位因颠覆经典而饱受批评的男人大概也是从这一季开始成为了新时代的新经典。

什么是高街时尚?也许每个人的答案里都列着一大长串名字,但我敢肯定,Riccardo Tisci的Givenchy 2011秋冬系列一定是出现频率最高的那个。让广东福建沿海地区无数制衣工厂曾夜以继日地研究打版的一幅图案首次亮相——哥特味十足的罗威纳犬。脚踩高帮Sneaker、身着用料奢华的Varsity Jacket、脸上蒙着犬牙丝巾、运动短裤下方还不忘垫一层紧身Legging的模特就仿佛刚开始尝试得体装束的富家子弟,身处高级场合仍不忘高调地宣扬自己对嘻哈音乐、篮球、街头文化的喜爱。什么是高街?如果高街意味着高级时装对街头文化符号的采纳,那么这就是这个定义下当之无愧的高街象征,或许我们应该更大胆一点地说:Givenchy By Riccardo Tisci就是高街。

由于Miuccia的存在,Prada的秀场永远包含着需细细咀嚼方能品出的隐藏趣味。2012秋冬系列就是男装史上最为壮观的“人文大戏”。这场意在调侃男性权力的大秀,请来了威廉·达福、加里·奥德曼、阿德里安·布洛迪、蒂姆·罗斯等影帝作为秀场红毯上的角色扮演者,这是常年作为女装秀场配菜的男装秀场所能拥有的最为盛况空前的场景,而相似的盛况则在十年后的Prada 2022秋冬男装秀上再度上演。

Miuccia Prada的设计本身也在极力配合这一主题,看似华丽高贵的服装处处暗藏玄机:笔挺修身的西裤并非羊毛材质,而是廉价的原牛;华丽鲜艳的丝绸衬衫上印着的不是传统花纹,而是印第安人的头盔;看似高级的皮鞋外侧包裹着一层橡胶;高档的丝绸大衣形如酒店浴袍;鲜艳的色彩组合在一起却显得略微滑稽,这一切都与秀台上“自我感觉良好”的模特形成了鲜明的反差,彰显了权力面具背后那不经推敲的空洞,向男装品牌示范了一个从立意到服装本身都无可挑剔的命题作文。

2012年正处于事业上升期的Jonathan Anderson突然发出如此感叹:“对我而言,男装已经到了需要被从窗户扔出去再拽回来的阶段了,有些东西已经停滞了太久。”对于一位不久前刚获得快时尚巨头Topshop联名邀约的设计新贵而言,说出这番话无疑是需要勇气的,毕竟这份合作合同意味着市场已经无比认可他当时的设计语言,2010秋冬系列中那些朋克味十足的爱尔兰格纹毛呢机车夹克依旧是各大品牌模仿的对象。

然而Anderson本人心意已决,因此在2013春夏秀场上,我们看到向来在性别模糊处理上不拘一格的JW Anderson如何更进一步地对此现象做出个人化的表达——远不止在传统男装上安插细微的中性点缀,更像是在男装和女装上进行“杂交”。传统的男士乐福鞋被削减成近乎芭蕾舞鞋形状的穆勒凉鞋;螺纹针织喇叭裤紧紧地裹住大腿;短裤几乎被裁成内裤的长度;西装外套采用的死亡芭比粉几乎是与男性绝缘的颜色。如果这一切还不够激进的话,不妨再仔细看看嵌着碎花图案的欧根纱套装,在十年前,谁能想象这番光景会出现在男装秀场上。当然,让这场秀成为永恒经典的还要属时装的基石——廓形,柔和宽松的立体轮廓让人们彻底忘记秀台模特的性别身份,将关注点全然聚焦在服装本身,并深刻意识到:眼前这番景象并不是什么中性时装的胜利,而仅仅是属于漂亮衣服的嘉年华。

如果试着只用一句话来概括这场秀的入选理由,那答案简直再明了不过:这可是老爹鞋Triple S的首秀。也许你会觉得用一双鞋来衡量一场秀的重要性过于草率,但这双鞋真的概括了所有——从Demna入主Balenciaga开始持续至今的故事。在此之前,初入奢侈时装屋的格鲁吉亚人就已经在2017春夏男装秀上为我们带来了完全耳目一新的Balenciaga。虽然那些工整笔直的箱型西装和飞行夹克已经足够令人印象深刻,但相比Demna的“亲儿子”Vetements依旧略显单调,人们依旧期待能看到那些来自于街头的、地下的、青年的、Demna年轻时肉眼所见的景象在Balenciaga的舞台上有所呈现。这是一项繁杂的工作,顶级时装屋是否有足够的勇气和承受力来接受一件恶搞DHL的短袖T恤依旧是未知数。2017秋冬系列是一份近乎满分的答卷,即便并不是所有老顽固都能在当时心甘情愿地承认这点。

2017春夏系列的成功让他变得更加大胆,这份胆量体现在他敢于去描绘更为多样化的群体身份,从而引发更为广泛的共鸣。秀场上自然有穿着棕色双排扣大衣、拎着蛇纹皮具的传统奢侈品客户形象,但转眼间,穿着俗气廉价的蓝色西装、拎着若干“纸袋”的年轻人就让你想到了那些平时从事体力工作、临近公司年会才租了一套应付正式场合的涤纶西装的蓝领;穿着条纹睡裤,披着招牌C型剪裁羽绒服的模特像极了冬天下楼拿外卖的你;穿着条纹短袖衬衫,一丝不苟地套着羽绒马甲的眼镜小哥仿佛就是隔壁空调房加班敲代码的程序员;那些剪裁得体,在腰部有着优雅弧线的大衣,也许会在片刻之间让你感受到Balenciaga的原始之魂,但仔细去看看模特脚底下的机车筒靴,你会瞬间醒过神来:这就是Demna的Balenciaga,所以我们看到了被恶搞的开云Logo,与被玩坏了的DHL如出一辙;还有“嫖”自总统竞选标志的招牌“可乐标”。又有哪个街头青年会否认自己是在看到那件漂染廓形卫衣和裹在帽衫外面的T恤才意识到:原来我也可以穿Balenciaga呢?让我们的思绪带着上述提及的身份将目光下移到模特脚底的Triple S上,这双采用多层底设计的老爹鞋开启了之后几年老爹鞋称霸世界的血雨腥风,狠狠地打肿了所有唱衰者的脸。所以还是回归开头的那句话:这TMD是Triple S的首秀!

如果只讨论过去十年最为重要的纯男装设计师的话,Craig Green是毋庸置疑的C位。早在中央圣马丁求学时,他就凭借着他肃穆神秘的东方气质和象征性十足的装置设计博得了满堂彩。他的伦敦时装周首秀更是凝结了他过往风格的升华之作——仙风道骨的赤足模特们身着飘逸长袍悉数出列,他们身背的木框就仿佛游行队列的旌旗,在凝重纯净的气氛中进行着无声的抗议,克制的蓝、白、黑让这支队伍如此虔诚,不禁让人联想到《出埃及记》中摩西率领的苦修信众。然而宽松的裙裤、武士铠甲般的纹理、禅意十足的道袍又提醒着我们,眼前这幅场景不应出现在遥远的地中海,而是在东亚的某片平原角落,时尚评论家Tim Blanks当时毫不吝惜地将这个系列称之为“Fashion Moment”。

然而决定这个瞬间的,绝不是这些浮于表面的噱头,而是服装本身,这是一场关于绑带绳结元素的盛大博览会,极尽复杂的结构和层次被设计缜密的绳结所串联,形成松散却有机的整体,模特好似被一组组可以随意拆卸组装的宜家家具所包裹。每一个穿着者都可以通过不同的调节方式,来创造独属于自己的那件Craig Green。这场秀之后,绳结元素几乎成为了每一个灵感枯竭的主理人的救命稻草,但我们都知道,时装界的绳师,只有一个。

当时装充斥着盲目堆砌的俗腻极繁设计时,贯彻简约做派的安特卫普六君子站了出来;当时装充斥着被街头潮流带偏的兑水设计时,又是安特卫普六君子中的Dries Van Noten站了出来,只不过这次是站在更“繁杂”的一端。或许用站出来形容并不算贴切,因为Dries也不过是在坚持自己的一贯风格罢了。在这场以男芭蕾舞者为主题的秀场上,披着垂坠浴袍、踩着绑带舞鞋的男模们,简直斯文得像是跟高街男孩们生活在不同的星球上。

但这意味着Dries Van Noten要完全放弃青年群体吗?答案是否定的,我们依旧能看到被哥特字母贴布装点的落肩廓形T恤衫和精裁西裤,芭蕾舞束腰带也巧妙地和裤腰组成了时髦的双裤腰。以芭蕾舞为灵感又是何其明智的决策,既能完美搭上宽松舒适的运动装束在男装设计中愈发流行的时代列车,又可以全然保留Dries一贯的精致优雅。当然,我们又怎能忘记Z世代穿搭教父A$AP Rocky上身的那件廓形飞行夹克——高街男孩的最爱。然而我们都清楚它真正的出彩之处:左胸前的那片刺绣Harness,这套刺绣Harness也同样被作为独立配饰出现在其他造型中。这是Dries Van Noten在反复研习芭蕾舞男演员装束后得来的神来之笔,它们的刺绣图案是如此华丽,但造型感又是如此前卫。古典工艺终有一日会被数码印花盖上棺材板吗?不为时代洪流所轻易裹挟的Dries Van Noten向我们展示了另一种可能性。

Alessandro Michele在Gucci的处女作是一场男装秀,这一点放到现在更像是一个小确幸,屡次翻出来品一品,都觉得——真香。

没有合并男女装发布会最大的好处还是在于品牌能够更专注地展示一个清晰的男性和女性形象。在此之前,“雌雄同体”不过是主流时尚界的一块提拉米苏,浅尝辄止。JW Anderson一直在强调自己在这个领域的发言权和前瞻性,可惜的是,在Gucci面前,独立设计师的发声就是很难被传递到圈层之外。但这恰恰也说明了大品牌的优势是可以依靠一己之力去扭转潮流趋势。

当时,Normcore风吹了小十年,几乎是一夜之间地就被Michele给掀翻了。书呆子气的贝雷帽和眼镜框;颜色浓艳的丝绸和雪纺衬衫,胸前还是系着细细的蝴蝶结;印花繁复的西服套装,裤腿还是喇叭口的。那是一种被激活的久违的渴望,让繁复主义(More is More)席卷了从轻奢品牌到快时尚品牌的工厂线,以至于2015秋冬系列还未进入Gucci店铺,H&M和Zara都已经提前上货了。在此之后,国内外的独立设计师品牌都着重开发所谓的“中性款服饰”,男女都能穿才是真时髦的时代正式开启。

Gosha是第一个涉猎青年文化的品牌吗?不是。

Gosha是第一个触碰政治话题的品牌吗?更不是。

真正让Gosha如此与众不同的,是他所参照的对象——不再是那些站在文化输出制高点的弄潮儿,而是一群被长久以来牢牢划在时尚圈之外、与潮流彻底绝缘、被柏林墙以西的白皮肤同胞们所鄙夷、只能被动地接受前者制造的一切流行文化的残羹冷炙的年轻人们。或者通俗地说,就是有点儿土气的后苏维埃男孩儿。

对于我们这群出生于1980至90年代的人来说,Gosha秉承的美学也同样能唤起深刻的共鸣。听着摇滚乐长大的欧美年轻人不理解为什么会存在着装必须整齐划一的校园运动会,我们也不理解他们为什么不理解。长袜包裤脚、廉价大皮草、卫衣扎裤腰、国旗直接身上套,这是猎奇的景象吗?不,这是一段不该被遗忘的历史,让土孩子们终于也能在时尚舞台上挺直腰板儿。在Gosha Rubchinskiy被性侵丑闻百般困扰、俄罗斯被时尚界彻底除名的今天,我们更应该庆幸这样一个牌子存在过。

我们是否能抛开Virgil Abloh去讨论当下的Louis Vuitton?答案是肯定的,毕竟站在Virgil身后的是一座名为Kim Jones的大山。而我们又是否能抛开Kim Jones来讨论如今的奢侈品牌“街头化”呢?似乎更不太可能。

还记得千禧年初,睥睨众生的Louis Vuitton是如何将一家坐落于纽约拉法耶街区的小滑板店告上法庭的吗?这一切仅仅是因为后者在自家招牌的Box Logo T恤上挪用了LV的经典老花——甚至都不能称做挪用,只是经过了一定修改的恶搞罢了。

谁敢想象17年后,这家名叫Supreme的滑板店就名正言顺地赢得了将自己的Logo和LV Monogram放在一起的权利。这究竟是处在奢侈品王座的LVMH集团在Z世代、嘻哈乐和街头潮流的联合猛攻下,所做出的心悦诚服的妥协,还是一场惺惺作态的流量表演,我们在此不做过多分析。我们只知道,在Kim Jones操办完这场“世纪大和解”后,Supreme被VF集团以21亿美金的天价收购,而Louis Vuitton也以近乎不可阻挡的势头牢牢地垄断了老中青三代奢侈品消费者的购物清单。对于普通的时尚爱好者而言,这场大秀的余波也简单明了:在此之后,放眼整个时尚界,没有什么联名再值得我们去瞠目结舌了。

非要等到男生人人脚一双高跟鞋再去回头承认Rick Owens 2019秋冬系列的重要性吗?大可不必。虽然仅过去不到三年,但这场秀产生的巨大余波已不言自明:想想身边那些纷纷被Kiss Boots取代的切尔西靴,想想冬天马路上比加拿大鹅还泛滥的短廓形羽绒服,再想想社交媒体上海拔一天比一天高的肩膀。

在大家的印象中,Rick Owens似乎是一个从没断过电的品牌,但在2017-2018这两年里,除了死忠粉丝的衣橱和打折货架,你还在哪里见到过这个品牌的身影?2019秋冬系列让我们明白他是一个懂得分阶段布局的战略家,他所谓的停滞也不过是留给人充分的时间去吸收他此前推出的前卫设计。

想想这十几年间,Rick Owens让男生慢慢消化掉,甚至习以为常的激进概念——吊裆裤、长而垂的T恤衫......这次又轮到了防水台高跟鞋和高耸的肩型。战略性部署的高明之处就体现在这里,当大家看完JW Anderson的中性着装,八成只会把它当作某种行为艺术,或是可供茶余饭后讨论的谈资,但到了Rick Owens这里,人们却真的变成了行动派,会突然在一瞬间产生了尝试的念头,从此一去不复返。这是一种有预谋的洗脑战术,却无比成功。你觉得现在的Rick Owens又陷入吃老本的窠臼了?不用慌,也许过几年,我们又能看到他带来的新惊喜。

posted @ 22-07-16 01:25  作者:admin  阅读量:

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